Introduktion
"J-pop", som japansk popmusik kaldes kærligt både i og uden for Japan, er den almindelige form for musik i Japan og har en stor kult, der følger over hele verden. Mens J-pop fik sit navn og status så sent som i 1990'erne, fik den sine første fodfæste i 1960'erne og kan endda spores tilbage til førkrigstiden i japansk historie.
Mange ansigter og mange navne skåret sig ind i J-pops historie - dette hub vil udforske J-pops oprindelser og bevægere og ryster, der dannede det til, hvad det er i dag, mens det fremhæver de moter og epoker, der ikke vil være let glemt .... alt sammen med omfavnelse af kortfattethed. Lad os komme afsted.
De tidligste dage: Jazz og Ryuukouka (1920'erne-1950'erne)
Moderne japansk populærmusik kan spores så langt tilbage som Taisho (1912-1926), hvor vestlige instrumenter som strenge og munnspill blev populære at bruge i musikalske forestillinger. I løbet af denne tid så vestlig jazz og blues også en stigning i popularitet i hele Japan, og moderne komponister begyndte at tilføre vestlige jazzelementer i deres værker. Disse sange blev imidlertid skrevet ved hjælp af den pentatoniske skala, der blev betragtet som den "japanske" måde at synge på.
Jazz fortsatte med at stige i popularitet frem til stillehavskrigstiden, hvor den blev forbudt af regeringen til fordel for propagandistiske "krigssange", der indarbejdede traditionelle marcher. Mange banebrydende komponister fra førkrigstiden blev vervet til at skrive disse sange eller på anden måde markeret som antinationale midler.
Med krigens afslutning kom vestlige soldater, og med de vestlige soldater kom jazz igen. Japansk populær musik vendte tilbage til jazz- og blues-fusioner, og caféer, hvor man kunne gå og lytte til "autentisk" jazz, kaldet "jazzkyssas", sprang op overalt. For at holde vestlige soldater underholdt, vendte japanske musikere sig til at dække vestlige hitsange, mens de langsomt tilførte deres stilarter i deres egen japanske musik. Ryuukouka, bogstaveligt talt "den populære musik", var i fuld sving indtil den berygtede "splittelse" i de tidlige 60'ere.
True Origins: Kayoukyoku (1960'erne)
Selvom kayoukyoku (lit. "Lyrisk sangmusik ") engang blev brugt ombytteligt med ryuukouka, henvises der officielt til fusion af japanske kompositioner med vestlige elementer, og er det, der betragtes som den sande oprindelse af moderne J-pop. I løbet af 60'erne styrede kayoukyoku sammen med den mere traditionelle enka- stil , med kunstnere, der omfattede bevægelsen "rockabilly" (en introduktion af rock and roll-musik). Én ting, der blev særlig populær, var at oversætte vestlige sange til japansk og dække dem, og udlånte kayoukyoku til "cover pops" -bommen . Men som tiden gik, begyndte musikere at skrive deres egne vestlige inspirerede musik sæt til deres egne originale tekster.
Rock and roll bragte den elektriske guitar med, og Beatlemania kunne også ses i hele Japan. Gennem populariteten af både en ny undergenre af kayoukyoku kaldet "Group Sounds" sprang op, selv om dens ansættelsesperiode i bedste fald var hård. Group Sounds forsøgte at genskabe rockbandsmotivet med japanske musikere, men kontroverser floreret, da medlemmer kranglede om, hvorvidt rock and roll kunne ske på japansk eller ej. Mange band kæmpede for at få fodfæste, da de diskuterede mellem sang på engelsk eller japansk. Til sidst døde Group Sounds væk i et par år, hvor ingen kunne komme med et klart svar.
Den største succeshistorie i denne æra hører måske til eks- The Drifters- medlem Kyu Sakamoto, hvis sang " Ue wo Muite Arukou " blev omdøbt til " Sukiyaki " og blev frigivet i USA. Sangen blev en øjeblikkelig hit, selv på japansk, og nåede toppen af Billboard-diagrammet. Det er stadig den første og eneste japanske populære sang, der nogensinde når nr. 1 på det amerikanske Billboard.
Ved siden af Sakamoto i berømmelse og forskel var The Peanuts, et par kvindelige tvillinger, der satte deres præg i den klassiske japanske monsterfilm Mothra . Drifters så også en genopblomstring i popularitet og blev en af de første populære grupper til at erhverve deres eget sort show. I mellemtiden knuste kunstnere som Keiko Fujii Oricon-plader mod slutningen af 60'erne på hunes side af tingene - hun ville blive et varigt symbol på den opfattede fejd mellem kayoukyoku og enka, især da 70'erne og idol-æraen var gryende.
Udvikling af en stemme: Ny musik og bypop (1970-80'erne)
Selvom "folkemusik" så underjordisk popularitet i 60'erne, var de fleste af sangene enten dækker af vestlige hits eller holdt enkle universelle beskeder. Fra begyndelsen af 70'erne vendte tendenser imidlertid mod at tilpasse og komplicere folkemusik, og den dominerende æra for singer-songwriteren blev født. Sanger-sangskriveren Yosui Inoue satte en hidtil uset rekord med sit album " Kouri no Sekai ", da det blev øverst på Oricon-hitlisterne i 35 uger i træk. I samme tid begyndte kvinder at blive anerkendt som musikalske kræfter med dem som Yumi Matsutoya (kendt af hendes pigenavn "Arai" i begyndelsen og midten af 70'erne) og Miyuki Nakajima. Denne æra med den lidenskabelige singer-songwriter blev kendt som "Ny musik" -epoken.
Rockmusikken sneg sig langsomt tilbage i mainstream i løbet af denne tid, skønt den brugte elektroniske synthesizers hjælp for, at den virkelig blev anerkendt. Båndene Yellow Magic Orchestra og Southern All Stars debuterede i slutningen af 70'erne: førstnævnte fokuserede stærkt på elektronik, og sidstnævnte beviste, at rockemusik kunne sunges på japansk. Begge overhalede New Music som tidens tendens, og begge betragtes som J-pop-pionerer med stor popularitet i dag.
Yellow Magic Orchestra banede vejen for "City Pop" til at fremstå som en populær trend i de tidlige 80'ere. City Pop fokuserede på by- og storby-levende temaer med elektroniske elementer og jazzfusion bagpå. De fleste City Pop afspejlede den økonomiske boom i 80'erne i Japan med dens temaer for overskydende og letvægtighed, som førte til dens ultimative bortgang under "bobleudbruddet" i slutningen af 80'erne.
Ligeledes, med band som Southern All Stars, der beviser, at rock and roll kunne udføres på japansk, blomstrede Japans rockscene i 80'erne. Bånd som The Alfee, The Checkers, TM Network og Boøwy var alle mandlige bands, der brød rekorder og tog navn. Kvinder lykkedes også med rockmusik, som det fremgår af alt det kvindelige band Princess Princess, der havde både nr. 1 og nr. 2 til topsingles i 1989.
Japansk rockmusik tog en særlig interessant vending startende i slutningen af 80'erne med ankomsten af "visual kei", en berygtet undergenre af rockmusik, der fokuserede på udseendet og teatraliteten for sine bandmedlemmer, ligesom det gjorde lyden af dens musik. Elementer som androgyni (inklusive "kvindelig tøj" på mænd, stort hår og make-up) kom til at definere hele "visual kei" bevægelsen. Det største navn i "visual kei" er også en af dets grundlæggere: I dag er X stadig et af Japans mest berømte rockband.
Den gyldne æra: Rise of the Female Idol (1980'erne)
Kvinder oplevede en stigning i popularitet begyndt i 70'erne med dem som Momoe Yamaguchi og den farverige duo Pink Lady . I løbet af denne periode skete der et skift i kayoukyoku, hvor Yamaguchi blev en af de første kunstnere, der nogensinde brugte en særlig type udtale, der var beslægtet med engelsk i hendes sange. Mens den stadig betragtes som en kayoukyoku- kunstner, ville denne stil senere komme til at være en definerende adskillelse mellem klassisk kayoukyoku og moderne J-pop.
Yamaguchi og hendes kvindelige samtid, såsom Junko Sakurada og Candies, var kendt for deres sunde image, mens de sang sange med lejlighedsvis seksuelle undertoner. Deres popularitet fører til yderligere branding af pladeselskaber for kvindelig solo og gruppe handlinger til at påtage sig en "pige ved siden af" charme. I 1980'erne eksploderede æraen med "idolet" eller en (normalt) kvindelig sangerinde, der udtrykte et rent billede.
"Gyldne æra" -afguder markerer afslutningen på kayoukyoku- æraen, hvor mange ældre komponister og lyrikere i kayoukyoku- stil skifter til at producere kvindelige idoler, før de går på pension. Kayoukyoku så endnu et stød i popularitet, da kunstnere som Seiko Matsuda brød en hidtil uset 24 # 1-streg på Oricon-hitlisten. Andre kvindelige kunstnere som Akina Nakamori turde trodse idolbilledet "pige ved siden af" ved at indtage en mere direkte seksuel tilgang og synge sange om hjertebrydelse og forræderi. Hendes eventuelle selvmordsforsøg førte til et kraftigt fald i hendes popularitet, men viste, at Japan ikke var klar til den grusomme virkelighed, som afguderne tilbød en flugt fra.
Og alligevel så idol-tiden sammen med det meste af kayoukyoku sin afslutning, da Seiko Matsudas # 1-streg blev brudt af TM Network- mastermind Tetsuya Komuros singel " Gravity of Love ". I 90'erne fortsatte Komuro med at definere "J-pop", da kayoukyoku begyndte at blive kaldt.
En økonomisk magt: Being og Tetsuya Komuro (1990-1997)
1990'erne markerede et stort vendepunkt i japansk populærmusik. Ikke kun kom udtrykket "J-pop" til spil, men J-pop blev generelt en økonomisk supermagt, da Japan rykkede op for at hævde at have den næststørste musikindustri i verden (kun nummer to i USA). Dette blev udført med smarte marketingteknikker, især "tie-in", eller sammenkobling af nyudgivne sange med reklamer, dramaer, film, anime, videospil og andre medier. Musikomsætningen nåede hidtil uset højder, med albummer og singler, der hvert år brød nye salgsrekorder.
I de tidlige 90'ere dominerede "Being System" det meste af J-pop's salg. Bands som B'z ville fortsætte med at blive den bedst sælgende musikakt i japansk historie, selvom andre handlinger som Wands, ZARD og Maki Ohguro også spillede store roller i Being's salg. Næsten alle disse grupper fokuserede på enten hårdere eller folkemusik rockelementer, skønt dette hurtigt ville ændre sig, efterhånden som tiåret skred frem, og dansemusik i euro-stil kom på mode.
I spidsen for dansebevægelsen var "den uovervindelige producent" Tetsuya Komuro. Komuros elektroniske lyd signatur ville fortsætte med at få store hits ud af hans personlige bandklode (der engang holdt rekorden for de fleste solgte eksemplarer af et album) sammen med solokraftcentre Namie Amuro, Ami Suzuki, Tomomi Kahala og hitomi. I alt i denne periode udgjorde Komuros salg over 170 millioner eksemplarer, hvilket gjorde ham til den mest succesrige producent i japansk historie.
Andre danseforlystelser ramte J-pop, herunder "eurobeat" og trance. Eurobeat-orienterede grupper som MAX (der var ex-bandkammerater til superstjernen Namie Amuro) dominerede også hitlisterne for en tid, mens eurobeat og trance-remixer af populære sange var garanteret høje sælger. Remix-æraen begyndte måske i løbet af 90'erne, hvor singler skiftede over fra 8 cm til 12 cm CD-format og kunne indeholde mere indhold. Trance og eurobeat begyndte at falde uden for fordel i de tidlige 00'ere, men ikke før grupper som kloden kunne overgå fra traditionel J-pop til en trance-lyd.
Return of the Idols: Women vs. Johnny's (Sent 90s-early 00s)
Succesen for Komuros kvindelige solokunstnere banede vejen for en idol "genopblomstring" i slutningen af 90'erne, selvom ikke enhver succesrig kvindelig soloartist i denne periode betragtes som et "idol". Den mest bemærkelsesværdige er måske sanger-sangskriveren Hikaru Utada (datter af enka- legenden Keiko Fujii), hvis amerikansk hævede følsomme fører hende til debut med en tungere RnB-lyd, end der var hørt i J-pop før. Hendes debutalbum " First Love " solgte videre over 7 millioner eksemplarer i 1999, hvilket gjorde det til det bedst sælgende J-pop album i dag.
Utada var imidlertid ikke uden hendes "rivaler". I samme tid som hendes økonomiske regering debuterede idol Ayumi Hamasaki med inderlige tekster, der fangede opmærksomheden fra den japanske offentlighed. Hamasaki nød massiv succes med et højdepunkt mellem 1999-2004, da alle ni af hendes albums i denne periode solgte millioner af eksemplarer hver, og endda hendes flere remixalbum toppede hitlistene. Hamasaki ville til sidst fortsætte med at bryde Seiko Matsudas rekord for de mest på hinanden følgende # 1-singler (stadig fortsat) og blive den bedst sælgende kvindelige kunstner gennem alle tider i Japan.
En af de største tendenser, der kom ud af denne nye idol-æra, var den kvindelige gruppe med flere medlemmer, ledet af Tsunku (af Sharam Q ), der producerede den superpopulære idolgruppe Morning Musume og fortsatte med at finde Hello! Projekt, der bestod af flere kvindelige grupper, undertiden med overlap af medlemmer. Morume Musume fulgte på en lignende måde fra den oprindelige idol-æra's Onyanko Club, med flere generationer af medlemmer, der kontinuerligt udviklede sig, men uden tvivl fandt meget mere succes. Hej! Projektet nød stor succes gennem de tidlige 00'ere, men så til sidst en stor dukkert i popularitet, der så "gradueringer" af et flertal af dets medlemmer.
Kvinder var ikke den eneste store nyhed i denne æra. Boy band powerhouse Johnny's & Associates etablerede sig som "den" mandlige idolfabrik i slutningen af 90'erne. Selvom det var en faktor i J-pop-scenen siden kajoukyoku- dagene, var det først i slutningen af 80'erne, da rullestolgruppen Hikaru Genji lavede en plask for agenturet. Mange backup-medlemmer splittede af og dannede den megagroup SMAP, der var en del af salgsstyrken gennem 90'erne, selvom mange af dens medlemmer blev berømte i deres egne rettigheder som talenter og skuespillere. Johnny har udvidet i det nye årtusinde med grupper som Tackey & Tsubasa, Arashi, NYHEDER, KAT-TUN, Hey! Sige! JUMP og Kanjani 8. Hver gruppe har dannet deres egne forskellige niveauer af massiv succes, og salget i midten af 00'erne blev primært domineret af Johnny's grupper. Sådanne grupper er fortsat en af de få "sikre sælgere" på dagens faldende marked.
Urbaniseringen af J-pop: Hip-Hop og Rnb (Mid-00s)
Kunstnere som Zeebra og DOUBLE havde udført japansk flavored hip-hop siden 90'erne, men det var først i det 21. århundrede, at lyden virkelig startede som en legitim undergenre af J-pop. Utada's optræden for amerikansk-baseret RnB i hendes tidligere musik ser ud til at have spillet en stor rolle i populariseringen af RnB i Japan, selvom mange andre kunstnere også arbejdede for at få det opmærksom på det. Duo Chemistry nød især succes i 2001 med udgivelsen af deres album The Way We Are, som solgte over en million eksemplarer. Omkring den samme tid debuterede EXILE og fortsatte med at sælge millioner af eksemplarer af deres singler og albums, mens de etablerede sig som ansigter af "J-Urban".
Namie Amuro oplevede en genopblussen i hendes popularitet omkring 2005 med udgivelsen af hendes album Queen of Hip-Hop, der begyndte hendes nye signaturlyd af en fusion mellem normal J-pop og hip-hop-musik. Amuro havde forsøgt en mere RnB-lyd i slutningen af 90'erne efter adskillelse fra Komuro, men hendes popularitet havde lidt for det. 2005 markerede en tilbagevenden til prominens for Amuro, da hun genoprettede sig som en formidabel udøver. I mellemtiden så RnB-fokuserede kunstner Kumi Koda sig pludselig på højden med popularitet omkring samme tid med udgivelsen af sit første bedste album " BEST ~ First Things ~ ". Før Koda havde kæmpet med sine RnB-stil-sange, men da dette bedst passerede en million sælger, blev hun en af datidens mest populære og produktive kunstnere. En af Kodas største noter var hendes øgede seksualitet og afgang fra det "sunde" idolbillede. Hendes erotiske stil blev kendt som " ero-kakkoii " og markerede en ændring i forventningerne fra kvindelige soloartister i J-pop.
Hyldest til fortiden: Folk, Shibuya og Seiyuu (sent 00)
To tidligere "døde" stilarter fra 70'erne og 80'erne så en pludselig ny bølge af popularitet i 00'erne, begyndende med en ny "folkemusik" -fad som minder om glansdagene i 60'erne og 70'erne. Især blev mandlige duoer som Yuzu og Kobukuro meget populære. Kobukuros første bedste album " All Singles Best " var den første sælger af flere millioner af en mandlig akt i det nye årtusinde. På samme måde blev Kobukuro til handling for at afslutte Ayumi Hamasakis nummer 1- albumstribe i 2008.
På den anden side af den musikalske mønt gjorde Shibuya-kei en tilbagevenden i form af producenten Nakata Yasutaka, medlem af den elektroniske duokapsel. Oprindeligt startede duoen som traditionel J-pop, før han udviklede sig til shibuya-kei, før han endelig fandt popularitet inden for elektronik. Yasutaka selv fortsatte med at producere den kvindelige idolgruppe Parfume, der udgav det første elektroniske album til top-listen siden 80'erne Yellow Magic Orchestra - de udgav derefter den første elektroniske singel, der nogensinde har toppet hitlisten, " Love the World ". Yasutaka blev også populær til at remixe sange til både Johnny's grupper og forsøge at genoplive karrierer hos dem som Ami Suzuki.
En anden tendens, der forekom i slutningen af 00'erne, var stigningen i popularitet hos seiyuu, eller anime-stemmeskuespillere. I 90'erne nød seiyuu som Megumi Hayashibara stor popularitet i anime-kredse, men knapt brød J-pop-markedet. I slutningen af 00'erne blev seiyuu imidlertid en formidabel kraft på markedet, da Nana Mizukis album " ULTIMATE DIAMOND " toppede hitlisterne. Andre seiyuu, begge etablerede (såsom Maaya Sakamoto) og nye, fulgte i hendes fodspor.
Asiatiske idoler: AKB48 og Hallyu-bølgen (begyndelsen af 10'erne)
Hej! Projektets succes i de tidlige 00'ere besluttede Yasushi Akimoto at vende tilbage til kvindelige idolgrupper med flere medlemmer og afholdt auditions i 2005. Det resulterede i AKB48, en meget stor kvindelig gruppe, der var baseret på teaterforestillinger i Tokyos Akihabara-distrikt. AKB48 kæmpede med moderat succes de første par år, før de endelig slog toppen af hitlisterne med deres 2010-single " Sakura no Shiori ". Senere samme år solgte deres single " Heavy Rotation " over 800, 00 eksemplarer. To måneder senere solgte deres single " Beginner " over en million eksemplarer, en sjældenhed på det nuværende marked. Siden da har alle deres singler fortløbende solgt over en million eksemplarer, undertiden på den første dag. AKB48s succes førte til andre geografiske splintergrupper, såsom SKE48 i Nagoya, NMB48 i Osaka og endda JKT48 i Jakarta, Indonesien.
Tidligere i 2000'erne lavede den koreanske popartist BoA en splash i Japan med sin originale J-popmusik, hvilket blev et af datidens største kvindelige billetter. Selvom hendes popularitet forsvandt i Japan efterhånden som årene gik, forsøgte andre koreanske handlinger at bryde ind på det japanske marked. Fem mandlige mandlige enheder Tohoshinki debuterede i Japan i 2005. Selvom enorme stjerner i deres hjemland Sydkorea så Tohoshinki minimal succes i Japan, indtil udgivelsen af deres sekstende japanske singel " Purple Line " i begyndelsen af 2008, som toppede kortene. Tohoshinki fortsatte med at blive den første mandlige-udenlandske gruppe, der toppede hitlisterne og den første koreanske gruppe, der optrådte i Tokyo Dome. Selv efter at et medlemsopdeling, der krympet gruppen til en duo, fortsætter Tohoshinki med at få en enorm succes.
Efter Tohoshinkis succes, overgik andre "K-pop" -grupper, både mandlige og kvindelige, til det japanske marked og begyndte at frigive både original musik og japanske covers af deres koreanske sange. En af de første grupper, der brød igennem, var KARA, en hel-kvindelig enhed, der skabte bølger med deres berygtede "rumpedans". Bag dem kom Shoujo Jidai / Girls 'Generation, der var kendt som top- klassede dansere. Andre grupper, såsom 4minute, 2NE1, BIGBANG, After School, Rainbow, Secret, Super Junior, SHINee og andre prøvede deres held i Japan med varierende succes: nogle fandt bedre salg i Japan end deres hjemmebase i Sydkorea, og andre kæmpede at gøre crossover værd. Uanset denne pludselige stigning i K-pop-interesse blev kendt som "Hallyu Wave", og K-pop-grupper fortsætter med at tilstrømme J-pop-markedet med kritikere, der påpeger grov udtale og genanvendte koreanske sange.
summering
Historien om populær japansk musik er åbenlyst et fortsat fænomen med snoede trends og links til dets vestlige kolleger. Selvom "J-pop" ikke officielt blev opfundet før i begyndelsen af 90'erne, når hele historien om dens oprindelse så langt tilbage som 1910'erne og den oprindelige jazzalder i Japan. Med årtiers talent til rådighed er det næsten umuligt at opsummere J-pops historie i et par korte afsnit.
