Måske er den ældste musikvittighed historien om turisten i New York, der spurgte en taxachauffør, hvordan man kommer til Carnegie Hall.
Svaret (for dem, der ikke allerede har hørt denne) var "Øv, øv, praksis!" Godt svar, i betragtning af ideen om, at mestring af enhver kompleks færdighed typisk tager ca. 10.000 timer - det er 5 års værdi af 40 timers arbejdsuge!
Men sandheden er, at det ikke rigtig er 10.000 timer - ligesom Pirates Code, at tallet på 10.000 timer er "mere en retningslinje." Øv smartere, så forbedrer du hurtigere. Her er nogle enkle tip til at gøre netop det.
Tip et: Øv dig af en grund!
Og heller ikke nogen lamme, generelle grunde. Du vil udrette noget specifikt, når du træner. Lad os nedbryde det. Der er tre slags ting musikere praktiserer at gøre:
1) Teknisk praksis. De lærer fysiske færdigheder, bygger specifik fysisk konditionering, såsom en messingafspiller 'læbe' eller en guitarists fingerstyrke, eller lærer musikalske materialer som skalaer, arpeggoer og lignende.
2) Øv dig til at løse problemer. Det betyder, at du spiller de hårde dele af et stykke, dem, der ikke (endnu!) Lyder, som du vil have dem til.
3) Øv for kontinuitet. Dette betyder at lære at spille eller synge gennem musik, du har til hensigt at udføre uden at stoppe eller tøve. Det er den slags praksis, der er mest som at udføre, og det er vigtigt. Desværre er det den eneste form for praksis, som nogle af os nogensinde gør - “desværre”, fordi kun at udføre en slags praksis ikke er en god måde at blive bedre på.
Lad os se, hvordan denne måde at se på praksis fungerer på. Her er tre almindelige situationer. Kan du matche hver situation med den krævede type træning?
- A) En bandstudent skal lære seks større skalaer med deres arpeggio'er for den næste ”pass-off”. (Spiller test.)
- B) Et garageband skal lære tre nye sange, som deres sanger har skrevet til deres næste optræden. De har øvet alle de separate dele under skrivningen og arrangeringen af sessioner, de har lavet som en gruppe. De er bare nødt til at polere sangene til vis så de lyder virkelig, rigtig godt.
- C) En universitetsmusikstuderende gør sig klar til Musikskolens koncertkonkurrence, som i form af en pris tilbyder en forestilling som solist med Skoleorkesteret og et $ 500-stipendium. Men der er et afsnit i mål 33-37, der altid ser ud til at lyde ude af tid, ude af tid eller begge dele.
Hvis du sagde:
A) - Teknisk praksis; B) —Praksis for kontinuitet; og C) —Praksis for at løse problemer, så har du idéen. Hvis ikke, her er grunden til, at det nedbrydes på den måde.
I A) forsøger eleven at absorbere skalaer og arpeggio'er. (Hans lærer håber, at de er godt nok optaget af, at den studerendes spil generelt forbedres.) Det er læring af musikalske materialer såvel som de fysiske bevægelsesmønstre, der følger med dem, så de musikalske og fysiske mønstre kan bruges frit og selvsikker i præstationssituationer. Det er teknisk praksis.
I B) forsøger bandet at lære at komme gennem deres sange glat og selvsikkert. De vil sparke røv, ikke bare snuble igennem! De har allerede fundet ud af detaljerne; de prøver at sætte brikkerne sammen på den mest overbevisende måde som muligt. De træner for kontinuitet.
De forsøger også at opbygge deres egen tillid til deres evne til at 'komme igennem' stykket, så de prøver på en måde at bevise noget for sig selv. Desværre hænger nogle musikere op på denne del. De er så travlt med at bevise, at de er klar, at de forsømmer den problemløsning, de har brug for at gøre for faktisk at være klar.
I C) kender den studerende stykket, men hun prøver at finde ud af et problemsted - hvorfor har hun de vanskeligheder, hun gør, og hvad kan hun gøre ved det? Det er klart, at det praktiserer for at løse specifikke problemer.
Denne form for praksis undgås ofte - nogle gange endda af dem, der tror, de gør det, men som virkelig laver noget, der ligner mere kontinuitetspraksis. Måske er det fordi sand problemløsning kræver tålmodighed med sig selv, og modet til at indrømme, at der i første omgang er et problem. Men det er også det sjoveste på en måde, fordi udfordringen med at finde ud af noget kan være lidt som et spil eller et puslespil. For nogle mennesker kan denne type praksis være næsten vanedannende.
I begge tilfælde er der dog en grund til øvelsen - musikeren eller gruppen prøver at få gjort noget specifikt. Og de får det hurtigere gjort, hvis de holder deres mål i tankerne. Så:
Vær målbevidst!
Tip To: Koncentrer dig, mindst lige så meget som du har brug for!
Hver af de tre typer praksis kræver koncentration:
- Hvis du træner for kontinuitet, vil du sikre dig, at du holder et stærkt mentalt billede af stykket, og hvor du er i det;
- Hvis du øver på at løse problemet, skal du virkelig lytte til den lyd, du laver, og sammenligne den med den lyd, du vil lave, og du skal virkelig tænke over, hvordan du får de to til at matche bedre ;
- Og hvis du træner tekniske øvelser, skal du koncentrere dig nok for at sikre dig, at du gør dem rigtigt - ellers bygger du på dårlige vaner, der holder dig tilbage, og som endda kan føre til fysisk skade. Hvor meget koncentration der tager kan dog variere. Hvis du laver en konditioneringsøvelse, som du har gjort hundreder af gange, tager det ikke så meget, som en øvelse, der er beregnet til at hjælpe med at opbygge en spilleteknik, der er helt ny for dig. Jeg kender folk, der har øvet skalaer, mens de ser tv.
Brug din egen gode sans, men:
Koncentrere!
Tip Tre: Langsomt ned!
Dette er hovedsageligt et tip til problemløsning. Når du løser et problem i et stykke eller en undersøgelse, prøver du at lære at være i kontrol over problemer stedet. Den eneste bedste måde at få kontrol er at bremse - gør næsten enhver fysisk bevægelse langsom nok, og de fleste enhver kan gøre det. Gør det meget langsomt, derefter lidt hurtigere, og gentag processen. Hvis du bliver med det, vil du med tiden brænde gennem det.
Jeg skrev næsten ” og snart brænder du igennem det”, men det er ikke nødvendigvis sandt. Jeg kan huske tidspunkter, hvor det så ud til, at jeg havde øvet noget i det, der syntes som evighed - måneder, selv år - og med lidt forbedring at vise.
Og jeg kan huske, at jeg opgav nogle ting, og tænkte, at der skal være noget galt med mig, når det gjaldt at lære den ting. Men jeg tror nu, at jeg bare ikke var ved længe nok. I de tilfælde, hvor jeg var ved, blev jeg bedre. Faktisk meget, meget bedre. Det vil du også.
Et andet undertip her: sænk tempoet for hele problemer, men hold dette tempo jævnt. Det kan føles stumt at holde en lang note midt i et problemsted, men hvis du altid får dig selv til at gøre det, vil din følelse af rytme takke dig. Brug af en metronom for at holde det langsomme tempo ærligt kan hjælpe med dette. Plus, på den måde kan du gradvist øge tempoet på metronomen, og du kan bedre fortælle, at du virkelig forbedrer dig. Så bliver du ikke afskrækket så hurtigt.
Sæt farten ned!
Tip fire: Skift det op!
En ledsager til tip tre. En anden god måde at få dig selv til at kontrollere et problem sted er at ændre det! Den enkleste måde er at forkorte den: Prøv at øve på et par toner af en hård bit, måske "sløjfe" dem igen og igen. På den måde kan du få en masse øvelse på nøjagtigt den bit, du har brug for at øve, meget hurtigt.
Men du kan også ændre det på andre måder. For eksempel kan du tage nogle toner ud - nåde-toner, toner på takten eller hvad som helst. Det lyder måske lidt skøre, men det kan virkelig hjælpe. En af grundene er, at det kan gøre den rytmiske ramme meget lettere at forstå; et andet er, at det kan lade dig slappe af lidt og virkelig koncentrere dig om de toner, du spiller.
Eller du kan indsætte pauser og lave svære notepunkter for dig at "lande på." Når du lander på en hård note, holder du den, giver dig selv tid til at lytte til den og føle den fysiske indsats ved at spille den note. Når du ved nøjagtigt, hvordan en bestemt note lyder og føles, har du god kontrol over den.
Her er nogle eksempler på at ændre det:
Dygtige transposere - og dem, der håber at være - kan øve passager i forskellige nøgler. Den legendariske Chicago Symphony-trompeter “Bud” Herseth har været en stor fortaler for dette.
Så vær ikke bange for
Skift det op!
Tip fem: Få feedback!
Der er en tendens til, at nogle af os træner i et slags vakuum: vi går over tingene, og måske lytter vi, men vi bruger ikke verifikation udenfor så meget som vi kunne. Og så forbedrer vi os ikke så meget, som vi kunne.
Den mest åbenlyse måde at kontrollere, hvad vi laver, er at spørge nogen, der kender. Din musiklærer er et godt valg som kritiker; nogle gange er bandkammerater også et godt valg. (Især dem, der interesserer sig mere for musikken end om dine følelser.)
Stadig mere populære som 'kritikere' er lyd- og videooptagelser. At høre noget udefra kan hjælpe os med at være en bedre kritiker for os selv - det er overraskende, hvor tydeligt du hører ting om dit spil på en optagelse, som du overhovedet ikke hørte, da du faktisk spillede.
Men den bedste hverdagskontrol er metronomen og tuneren. At spille til en metronom vil hurtigt give dig besked, hvis du holder god tid eller ej. Og ved hjælp af en tuner kan du fortælle dig, hvis du spiller mere end du har mistanke om. (Selvfølgelig er der også andre muligheder på denne linje - der er praksis-software nu, og det gode gamle tastatur kan også hjælpe med tuning, hvis du bruger det.)
Hoveddelen er, at få af os er så gode, som vi har tendens til at tro, at vi er - så kontroller det indtryk, dit øre giver dig.
Få feedback!
Tip seks: Lad fejlene gå!
Jeg ved, det lyder som det modsatte af det, jeg lige sagde, men Tip Fem handlede om problemløsning, og vi går videre nu for at tale mere om at øve på kontinuitet. Det er sandt, at når du løser problem, skal du være opmærksom på fejl, så du kan løse dem. Men når du træner for kontinuitet, skal du også øve på at ignorere fejl.
Det skyldes, at fejl kan være en enorm distraktion i ydelsen. Så snart du tænker: "Ups, jeg har rodet det, " mister du dit fokus på musikken, du spiller. Du er fokuseret på dig selv. Måske slår du dig selv: "Hvordan kunne jeg gøre en sådan ting?"
Men i begge tilfælde overvejer du ikke, hvad der kommer næste.
Fare! Flubbed musik forude!
Så når du træner for kontinuitet, skal du øve dig på at holde dit fokus på selve musikken, og hvordan det går. Hvis du laver en fejl, skal du bare fortsætte med at spille. Med andre ord,
Lad fejlene gå!
Tip syv: Bliv ved med at tænke musikken, selvom du ikke kan fortsætte med at spille den!
Fangende, men hvad betyder det?
Hvis du - Gud forby - faktisk laver en fejl, er det, du ikke vil gøre frem for alt andet, at miste din plads. Hvis du holder op med at spille, er det dårligt - men hvis du stadig ved, hvor du er i musikken, kan du hoppe lige tilbage i. Hvis du dog er tabt, er der dog meget sandsynligt, at yderligere fejl følger, før du finder ud af, hvor du er.
Når du træner for kontinuitet, så vil du opbygge både et stærkt mentalt billede af, hvordan stykket går - nogle musikere har kaldt dette "gennemgående linje" - og din evne til at blive med den gennemgående linje gennem tykt og tyndt . En måde at gøre det på er at bevidst stoppe med at spille, mens du træner for kontinuitet, mens du stadig forestiller dig lyden af musikken, når du tæller gennem den 'tavse' del. For eksempel kunne du spille hver anden foranstaltning og forestille dig målerne imellem.
Det er en god øvelse at
Bliv ved med at tænke musikken!
Tip otte: Hold det afslappet!
Ovenfor har jeg skrevet som om kontinuitetspraksis altid skal være en mini-performance. Men ikke altid! Du er måske ikke fysisk eller mentalt klar til at gøre det hele vejen igennem et bestemt stykke. I dette tilfælde er det bedre at øve kontinuitet efter sektioner.
Dette er især vigtigt, når fysisk udholdenhed er involveret. At starte altid ved begyndelsen af et stykke og arbejde igennem til slutningen kan føre til at lære, at afslutningen er synonym med fysisk træthed og spænding. For at besejre dette, prøv at øve stykket til kontinuitet efter sektioner, men start ved slutningen og arbejde mod begyndelsen.
En anden variant er at inkludere 'forestillede sektioner' som beskrevet i tip syv. Der er uden tvivl andre muligheder. Men find en vej til
Hold det afslappet!
Tip Ni: Hold tempoet - eller tempos - ærligt!
Jeg ved, at jeg gentager mig selv her, da jeg allerede foreslog at bruge en metronom i Tip Fem, men en del af et stykke gennemgående linje er at holde tempoet, hvor det skal være. Det kan være konstant for hele stykket - i hvilket tilfælde brug af en metronom er let - eller det kan variere meget. I dette tilfælde er den mest bekvemme måde at kontrollere tempo på at bruge akkompagnementsoftware eller en optagelse af musikken. Men uanset hvor du gør det, er det ekstremt vigtigt at kontrollere tempoet, når du polerer et stykke til ydeevne.
Hold tempoet ærligt!
Tip ti: Pas på din krop!
Jeg holdt det vigtigste tip til sidst. Der er et par måder, dette tip gælder.
Den første er, at din krop er en del af dit instrument. (Hvis du er sanger, er det hele dit instrument!) Derfor skal du også vedligeholde din krop for at spille dit bedste. Jeg husker for eksempel en trombonist, der sagde, at hans sessioner med bedste praksis altid startede med en kilometerløb. God ernæring, hvile og undgåelse af en usund livsstil vil ikke automatisk gøre dig til en god musiker, men de kan give dit talent og hårdt arbejde en ekstra konkurrencefordel.
For det andet er det at træne (eller udføre) dårligt kan være farligt for dit helbred. Gentagne stressskader er et reelt problem blandt professionelle musikere og er heller ikke usædvanlige blandt studerende og amatører. De kan være smertefulde, dyre, endda karriereendende.
Men den gode nyhed er, at de kan minimeres ved at bruge god spilleteknik. (Det lyder forkynt, men spilleteknik er udtænkt og har delvist udviklet sig til at være fysisk brugbart for spillere. Det er en del af vores arv fra 'kulturel visdom' som musikere, og vi ignorerer det på egen risiko.)
Det er også vigtigt at være opmærksom på det fysiske aspekt af vores spil. Selvom vi helt sikkert er nødt til at lære at gøre ting, som måske ikke er fysisk behagelige i starten, når vi oplever overdreven træthed i specifikke muskler, vedvarende ømhed, faldende bevægelsesområde eller muskelsvaghed, bør vi være nøje opmærksomme og overveje, hvad vi gør før vi lider reel skade.
Pas på din krop!
Lad os opsummere det:
Tip et: Øv dig af en grund! ( Ved hvad du prøver at gøre.)
Tip To: Koncentrer dig, mindst så meget som du har brug for. (Så gør det.)
Tip Tre: Langsomt ned! ( Sæt dig selv i kontrol over tempoet.)
Tip fire: Skift det op! (Giv dig selv kontrol over musikens struktur - du behøver ikke altid at øve den nøjagtigt, som den er på siden. Nogle gange er det smart at "dumme den ned.")
Tip fem: Få feedback! (Sørg for, at du får det rigtigt - brug tuner, metronom, computer, optagelser og (selvfølgelig) lærere og kritikere.)
Tip seks: Lad fejlene gå! (Det vil ikke være perfekt nogensinde, men det kan stadig være smuk musik. Lad det være rigtigt, og lad det gå forbi.)
Tip syv: Bliv ved med at tænke musikken, selvom du ikke kan fortsætte med at spille den! (Hold bare fast ved 'gennemgående linje.')
Tip otte: Hold det afslappet! Musik er smuk, når den flyder, så læg ikke den på med bekymring og stress.
Tip Ni: Hold tempoet - eller tempos - ærligt! ( Det er sværere at gøre dette, end du måske tror, så tjek dit tempo (er)!)
Tip ti: Pas på din krop! (Det er den eneste, du har, ikke? Musik er god for dig, men ikke hvis du gør det forkert. Og din krop er god til musik, men ikke hvis du bruger den forkert. Så ”heads up!” Vær opmærksom til hvordan det føles at spille eller synge - og fikse det, hvis det gør ondt eller forårsager svaghed eller spænding!)
Der har du det: ti tip til at hjælpe dig med at holde din musik sjov, sikker og for at gøre din praksistid så produktiv som den kan være.
Jeg håber, de arbejder for dig, som de har for mig, og bringer dig lige så meget tilfredshed, som de har mig. Mest af alt håber jeg, at de hjælper dig med at bringe skønhed, energi, glæde, spænding og oplysning til en verden, der har brug for den!
